martes, 29 de noviembre de 2011

Lizard (1970) - King Crimson



Puntuación: 10+


Mejor tema: Lizard


Tracklist
01. Cirkus
02. Indoor games
03. Happy family
04. Lady of the dancing water
05. Lizard





  King Crimson debía cambiar de estilo: con la muestra de The devil’s triangle en su anterior LP el futuro cambio de sonido de la banda era inevitable. Las ideas iniciales, las de sus dos primeros discos habían culminado.
  Yendo a la formación, Lake se decide por abandonarla y Gordon Haskell es incorporado en el bajo y la voz. Andy Mc Cullough pasa a ser baterista en una posición muy incómoda debido a un cambio estilístico algo violento: paso de ser baterista de una banda de jazz, a tocar para Robert Fripp y sus secuaces. Vamos a los temas.

  El disco empieza con Cirkus, que es una loca composición llena de efectos de mellotrón, guitarras locas y baterías incansables con dementes improvisaciones provistas por Fripp, un solo de saxo alto impecable, parte vocal poco destacable y un final avasallador.
Indoor games es un espléndido tema con brillantes y siniestras bandas. Generalmente hablando, las características del número predecesor se repiten: la única variación es un momento de descanzo en que los mellotrones paran y dan lugar a un despliegue de guitarras y saxos emotivamente agonizantes.
 Happy family es… es una demencia psicodélica totalmente desatada, a la cual todo instrumento ejecutado toma su camino e improvisa sin parar, creando algo realmente fantástico. ¿Oyeron los mellotrones? ¡DIOOOOOOOS! ¡AMO ESTO. Es aquí donde la vesania de King Crimson se ve potenciada a gran escala, conformando algo realmente espectacular. Nunca imaginé que me podría llegar a gustar algo tan bizarro y raro.  Además, la voz de Haskell está puesta con un buen efecto que cuadra perfecto con todo el disco.
  Lady of the dancing water es una tranuila balada que no alcanza el nivel de highlight pero que sin embargo es disfrutable. La voz de Gordon da asco. Es en canciones como ésta en donde extraño a Lake.
  Llega la suite magistral del disco, desplegada en su inicio por un raro acorde de teclado: Lizard. Aquí es cuando quiero que Fripp sea  mi amigo para poder llamarle todos los días a agradecerle por haber compuesto esta obra maestra. Los coros pop de la primera parte (vocalizados por Jon Anderson) son muy buenos. No entiendo porque cada vez que nombran a este LP, aclaran la participación del cantante de Yes: será muy bueno (de hecho el grupo que integra es de mi gusto), pero en esta obra no trasciende. La primera parte concluye con unos épicos mellotrones y coros. Y luego de esto es donde la influencia del jazz de King Crimson se hace ver: fantásticas improvisaciones de distintos instrumentos de viento (cornos, trombones, trompetas y saxos) se pueden escuchar. El piano que se venía ejecutando desde un principio se va desatando cada vez más, hasta llegar un punto en el que se une a desatar el caos con los multitonales metales. Un oboe nuevamente siniestro se percibe, y da lugar a la tercera y última parte del disco. Pensábamos que los teclados no aparecerían más. Pero sí lo hacen, y junto a su prescencia reviven un sangriento ambiente de violencia y epicidad, al cual la flauta extravagante que está de fondo aporta excentricidad. Pero uno de los mejores momentos del disco se encuentra, sin dudas, cuando la guitarra, los vientos y otros instrumentos se juntan y forman un descontrol demueleparedes.
  
  Lizard representa un cambio estilístico muy grande en el Rey Carmesí. El sonido de este disco es inigualable y los instrumentistas siguen siendo espectaculares.
¿Pensaron que iba a dejar a Haskell sin crítica?: no señores. Gordon es el peor cantante en la historia de King Crimson. Su voz causa vómitos, y sus ridículos gritos dan vergüenza ajena. Sin embargo él aparece muy poco en este trabajo: la minoría de los minutos del disco son cantadas. Los instrumentos se lucen como muy pocas veces lo han hecho en el rock, y esto hace un disco que se merece un 10+ indudable.
  Otra cosa que hace todavía más grande a este lanzamiento del Rey es la fusión estilística que hace: mezcla algo de pop con rock, clásica y jazz. 



       

lunes, 28 de noviembre de 2011

In the wake of Poseidon (1970) - King Crimson




Puntuación: 9+

Mejor tema: In the wake of Poseidon

Tracklist
01. Peace -a begginning
02. Pictures of a city
03. Candence and cascade
04. In the wake of Poseidon
05. Peace -a theme
06. Cat food
07. The devil's triangle
08. Peace -an end



  Robert Fripp sigue siendo un verdadero maestro para lo suyo (y nunca dejará de serlo).  Dicen que es un clon del primer LP de Crimson, y lo admito. ¡Pero eso no tiene porqué ser un punto en contra! Las composiciones siguen siendo espectaculares, con temas llenos de hermosura, violencia, tranquilidad, melancolía, tristeza y de esas oleadas imparables de sentimientos. El estilo general aquí es similar al de su primer disco, pero quédense tranquilos que el que le sigue (Lizard) cambia completamente. Igualmente In the wake of Poseidon sigue siendo muy bueno.
  En cuanto a la formación de músicos de la banda, Michel Giles e Ian McDonald expresan su deseo de abandonar el grupo. el primero termina por abandonar la formación, pero Giles no lo hace. Lake deja de tocar el bajo, y pide quedar como vocalista, debido a la complejidad que se presentaba a la hora de tocar el bajo y cantar a la vez, interpretando temas tan compuestos. Mel Collins sustituye a McDonald en las flautas, y Keith Tippett en los teclados.

  Todo comienza con el intrascendente Peace –a beggining: Una pieza a cappela en bajo volumen, que no se resalta para nada, pero tampoco molesta.  
  El disco empieza de verdad con Pictures of a city, el 21st century schizoid man de este disco con bandas de vientos avasallantes, explosivas y violentas, grandes polirritmias donadas por M. Giles y una melodía similar al primer tema del debut de KC. Los riffs de la banda de saxos son geniales y las conjugaciones polirrítmicas son imparables. Hay también un intermedio de silencio, en el que cada integrante de la banda se mueve con una precisión sobrehumana.  Todo esto conforma a la canción en una verdadera joya.
  El tema termina en una locura improvisada en la que todos los instrumentos donan su parte, y se escucha una guitarra acústica con un sonido algo tosco pero hermoso, que se conjuga a la perfección con la parte cantada por Haskell, un amigo de Fripp. Candence and cascade es una composición muy pacífica, aliviante, y está excelentemente interpretada.
  Entonces se escucha un mar de mellotrones atrapante, melancólico, glorioso y emotivo liderado por Fripp, al que le procede una preciosa melodía, cosa que conforma una de las más taciturnas composiciones del grupo. La batería, como en todo segundo en la que está presente, busca cada recoveco para lucirse. El intermedio es realmente precioso: la guitarra emite por cada punteo un grito agonizante que termina de hacer esta canción de las mejores del Rey Carmesí. Los coros son excepcionales: le agregan otro toque dramático al tema.
  Escuchamos el dimminuendo que va acabando de a poco con el gran apocalipsis creado. Entonces se escucha la tranquilizadora guitarra acústica de Peace –a theme. Los Peace no se caracterizan por ser de lo más original y trascendente del disco, pero son disfrutables dentro de todo. Es en este pasaje de guitarra clásica donde se puede separar el disco en dos. In the court of the Crimson King terminó, y esto da lugar a las nuevas ideas que Fripp tiene en la cabeza.
  Cat food es un “pop progresivo” que tiene con una melodía graciosa, divertida y funkie, y un piano alocado que innova en la instrumentación Crimsoniana y que en Lizard se usará nuevamente. Es, además, una forma de homenaje a los Beatles. Yo creo que si no fuera por la incesante e improvisada batería, que da indudables indicios de que lo escuchamos es King Crimson, este tema tendría un gran estilo Beatle. Por partes, Robert Fripp imita a la perfección los solos de George Harrison. No hay que pasar por alto el gran trabajo en el piano de este tema, con esas que nos ahoga con acordes jazzeros.
  Concluido Cat food escuchamos acercándose un ejército que marcha con majestuosos mellotrones y redoblantes. Hablo del impresionante The devil’s triangle, un tema experimental que una vez bien escuchado, les aseguro que les encantará. Para algunos es monótono, pero esa genial instrumentación cargada de autoridad y violencia me fascina. Los locos pianos que estaban en Cat food se hacen todavía más energúmenos aquí. ¿Alguien notó la demencia de la melodía interpretada por los teclados raros del final del tema? Esta composición nos anticipa lo que va a ser Lizard. Me encanta cuando se escuchan fragmentos del coro de The court of the crimson King.
  La última canción es Peace –an end, probablemtente el mejor de la trilogía. Tranquilizante, pero como ya he dicho, intrascendente.
  
  Este disco ha sido criticado por ser parecido a su predecesor. Hay que admitir que los primeros 5 temas son muy parecidos, pero después todo cambia y Robert nos muestra lo que va a ser el próximo álbum del Rey Carmesí. Creo que restar puntos a In the wake of Poseidon por ser un "clon" de su antecesor es infundado. Si bien lo es en gran parte, se disfruta muchísimo igual. Fripp juega con Pictures of a city, Candence and cascade y con In the wake of Poseidon, y hasta ahí se mantiene en las líneas de sus anteriores composiciones. Pero luego tira todo al diablo, y decide hacer estos magníficos y dementes pasajes que aparecen en la segunda mitad del disco. Como resultado final, obtenemos un disco cuyas mitades son diferentes: una retoma el “antiguo” estilo del grupo y otra explora nuevas fronteras, nos da un adelanto de lo que sería la próxima genialidad en forma de pasta de este magnífico grupo y de paso experimenta más para buscar su nuevo estilo.
  Un 9 es la calificación que este disco se merece: los Peace no son nada extraordinarios, y conforman mucho relleno. Además por mas buenos que sean los temas, In the court of the crimson King es evidentemente superior.


     

domingo, 27 de noviembre de 2011

In the court of the Crimson King (1969) - King Crimson


Puntuación: 10+

Mejor tema: 21st century schizoid man

Tracklist
01. 21st century schizoid man
02. I talk to the wind
03. Epitaph
04. Moonchild
05. The court of the Crimson King



Agradezco a Dios por tener un padre que haya escuchado música de altísima calidad: de King Crimson. Agradezco a mi papá por haberme hecho escuchar semejantes genialidades. Este es un grupo que marcó sin duda un antes y después en lo que respecta a la música que escucho. Abrió mi mente, me hizo conocer una dimensión del rock totalmente desconocida por mí: el progresivo, un mundo aparte. Cuando tenía aproximadamente 12 años, mi viejo me llamó, y me mostró el Rey Carmesí. No me llamó a atención. Recuerdo que el primer tema que escuche del grupo fue Epitaph. Meses después, aburrido de escuchar siempre Queen, los Beatles y algunas otras cosas, decidí ver que tal era In the court of the Crimson King. Me gustó bastante, pero de todos modos seguí con lo de siempre. Luego, después de haber digerido el disco (convengamos que escuchar eso por primera vez, después de haber estado escuchando los singles de la primera época de los Beatles, es un trabajo duro), me di cuenta de la calidad que tenía. Este es probablemente el disco que más significa para mí junto con Artaud. Tal vez tenga momentos algo desagradables y aburridos (en realidad el único momento de ese tipo es el famoso y polémico Moonchild), pero esta obra es la representación del rock progresivo en un solo disco. Aparte de ser considerado de los primeros y mejores discos de este tipo de música es como un compilado de muestra de las variedades del género: momentos de increíble tristeza, pasión, melancolía y 1000 sentimientos juntos; de violencia, algunos extraños con sonidos raros e improvisaciones sin sentido, y otros experimentales y de gran tranquilidad y elevación.
 
  El disco empieza con el magnífico y violento rock 21st century schizoid man, un acid-jazz rock. Es un verdadero deleite con épicos y avasallantes saxos, una batería que no se deja callar de ninguna manera y un efecto de voz parecido al de un megáfono. En este tema se pueden encontrar impresionantes improvisaciones guitarras con hermosos y agresivos sonidos ejecutando solos lentos que encajan a la perfección con el resto de los elementos. La batería sigue golpeteando incesantemente de una manera impresionante, con una alucinante banda de saxos procesados por raros efectos. ¿Notaron la perfección del tempo al que va cada integrante de la banda?. Escuchando esto podemos conocer el maravilloso estilo de las canciones violentas del Rey Carmesí.
El grupo tiene que sacarnos la agresividad de adentro, y lo hace con I talk to the wind, una canción en donde McDonald se luce: las flautas son infaltables. ¡Que gran solo el de la guitarra! Es impresionante la variedad de matices y sonidos que tiene Fripp escondido debajo de su manga, eligiendo el mejor según la atmósfera, y haciéndonos tener un orgasmo auditivo por cada nota punteada. Otro detalle precioso son los clarinetes, un corito que reluce por su simplicidad. 
  Todavía no entiendo como hice para no compenetrarme con King Crimson la primera vez que escuche Epitaph. Es uno de los himnos de la melancolía, la tristeza, la epicidad y hermosura en todos sus aspectos. Contiene melodía muy dulce y cargada de aplastante emotividad y unas geniales improvisaciones de Fripp con su acústica con sonido tosco. Otra infaltable pieza es el mellotron: un magnífico instrumento, esencial en el rock progresivo y sobre todo en este grupo. Otro destacado instrumento es la batería, una compilación de ritmos infinitos ejecutados con una precisión y variación inimaginable. Entre los mellotrones, la voz, la batería y la guitarra, se conforma una gran masa de pasión, cargada de infinitos sentimientos, variantes a cada minuto.  
  Debo admitir que los minutos que prosiguen a la primera parte de Moonchild, son feos y aburridos. De todos modos, King Crimson no buscaba provocar placer al oyente: lo que querían es expandir las fronteras del rock. La primera parte es muy linda tiene una melodía memorable y pequeñas improvisaciones de Fripp (no hace falta aclarar el sonido tan perfecto que logra el genio en esta parte). Mucha gente califica a este LP con 9+ o 9- por considerar estos minutos de extravagancia. Cuando el Rey Carmesí sale de esa estructura clásica de “música para disfrutar”, y se basa en “música para experimentar”, es cuando es duramente criticado. No me parece menospreciar de tal manera a esta obra. Sí, el tema es aburrido, sin sentido, y causa una especie de odio a quien lo escucha por primera vez, sobre todo si no es un experimentado en este tipo de música. Otra razón por la que no voy a puntuar con 9+ a este disco es que (aparte de que para mí significa demasiado), es que muestra todo tipo de matices en los que se desarrolla en rock progresivo clásico. 
  Luego del adormecente Moonchild llega The court of the Crimson King: una composición con una espléndida batería, resplandecientes mellotrones y legendarios coros. La melodía principal de la voz es caudalosa. Si uno escuchan bien, en la parte silenciosa de la canción Fripp hace sus típicas improvisaciones con particular sonido en la guitarra acústica. El solo de Ian McDonald es muy bueno: conforma un toque de simpleza a todo el tema. Se podría caracterizar a este como un resumen de todo el disco: melodías pasmosas y melancólicas, mellotrones de oro, simples flautas y violencia y epicidad puesta sobre todo por los coros. Me gusta muchísimo la coda, cuando el tema  parece que acaba pero retoma toda su fuerza, y va acumulando cada vez más instrumentos, para lograr la cúspide de pasión, vigor y pesar. No podemos creer que terminó… quedamos boquiabiertos y lo escuchamos otras 20 veces, sin parar ni aburrirnos.
  ¡Acabo de reseñar la esencia del rock progresivo! Como deje en claro el concepto general del disco, me retiro.



       

Introducción a Invisible





Concepto general
  Invisible es uno de los grupos fundamentales en la historia del rock nacional. No es que haya influenciado a muchas bandas, pero su propuesta es infinitamente rica. Es decir, muy pocas agrupaciones argentinas lograron un sonido tan único y ajeno a todo lo que sonaba en el escenario local.
  Las letras de Invisible son mayoritariamente surrealistas. Hay canciones como Irregular que consisten en pasajes oníricos y voladores, mientras otros temas como El anillo del capitán Beto son 

más tradicionales.

  El grupo tiene tres etapas bien marcadas en cada uno de sus LP's. La primera, plasmada en el disco homónimo, tiene una fuerte influencia del jazz y algún tinte progresivo o hard en ciertos temas. La segunda conserva sus raíces jazzeras pero Spinetta introduce una cantidad importante de rock progresivo, logrando así temas de mas de diez minutos de duracion. Y por ultimo, la tercera abandona por completo el jazz y explora los territorios del pop, con matices tangueros en algunas composiciones. 



Los músicos
  Aquí es donde hago reverencias. Los músicos de Invisible son simplemente fantásticos: perfeccionismo, precisión  e improvisación son los elementos predominantes en la base del grupo, con un Luis improvisativo, jazzero, volador y a veces reservado; exponiendo su gran gusto musical y demostrando un estilo muy original.
  En El jardin de los presentes, Gutibisch aparece con un estilo mas virtuoso, stigma de la influencia de John McLaughin, aportando otro tipo de momentos en lo que a guitarra respecta.


       

El jardín de los presentes (1976) - Invisible




Puntuación: 8+


Mejor tema: Los libros de la buena memoria

Tracklist
01. El anillo del Capitán Beto 
02. Los libros de la buena memoria
03. Alarma entre los ángeles
04. Que ves el cielo
05. Ruido de magia
06. Doscientos años
07. Perdonado (niño condenado)
08. Las golondrinas de plaza de mayo


Este LP marca el final de Invisible, que tiene una separación un tanto extraña. El mismo Pomo indica:
¿Sabés que no sé porqué nos separamos en Invisible? No sé qué pasó. Una vez que dejamos de ser un trío para el disco El jardín de los presentes, empezaron las incomodidades. Pero, si te soy sincero, no sé qué incomodidad fue la que terminó de volar la banda por los aires.
  La introducción de Tommy Gutibisch en guitarra incomodó a los integrantes de la banda y esto creo una tensión entre ellos. Ni ellos ni el público querían que el grupo fuera un cuarteto, querían el power-trío original.
  Spinetta siempre se movió en cambios de estilos pero por bandas, no por discos. Tiene muchas etapas diferenciadas con distintas agrupaciones y cada una con un estilo diferente. Y este disco significó una nueva etapa en su carrera.

  El LP comienza, y ya nos da a entender que el estilo de Durazno sangrando ya no existe. El anillo del capitán Beto es un precioso tema con acompañamientos simples y una sensación amistosa en su melodía, que es muy directa y dulce. La letra narra la historia de un porteño que partió con una nave hacia el espacio, y que luego, incomunicado de todo, se siente triste y muere en su máquina.
  Entonces escuchamos Los libros de la buena memoria, candidato al mejor tema del disco. Ésta es una canción con aires de tango y bossa nova, instrumentación liviana, guitarras llorosas, y una melodía realmente perfecta que trasmite junto con la letra inimaginables sensaciones. Los acordes de guitarra son perfectos: conviven en paz con todo el resto de los elementos, al igual que los bandoneones. La lírica, la voz y su acompañamiento son todas excelentes y conviven en perfecta armonía. Es en trabajos como este en los que se ve que Spinetta puede componer letras surrealistas, y que no perdió el estilo antes cultivado del todo.
  Alarma entre los ángeles significa un pequeño decaimiento del nivel del disco. Es un tema instrumental con importanteparticipación de Tommy Gutibisch: es básicamente un solo de guitarra con 6 minutos y medio de duración. Tommy es un buen guitarrista, no desafina ni un microtono. Lo malo en este tema es su duración. Si fuera de 2 o 3 minutos tal vez sea menos cansador. La improvisación del guitarrista tampoco es mala, pero es muy difícil resistir un solo de guitarra de 6 minutos sin aburrirse. Es entretenido y muy bueno por partes, pero el cansancio es inevitable. O por lo menos así me parece a mí.
El disco vuelve a esas estructuras típicas con Que ves el cielo, un tema acústico muy agradable que tiene una melodía excelente y guitarras con un particular sonido. Es una canción simple y dulce: un easy-listening definitivo.
  Ruido de magia es otro pequeño pozo en el LP: una melodíoa instrascendente y un acompañamiento de guitarra casi insoportable. Son tres acordes que se repiten todo el tiempo. El solo es bastante bueno, y es lo que salva a la canción.
  Doscientos años es una de las obras más amistosas compuestas por Spinetta. La melodía es muy buena, y los arpegios constituyen un buen tipo de acompañamiento. Sin embargo no alcanza el nivel de un highlight.
  Es aquí donde el álbum se recupera totalmente. Perdonado (niño condenado) es fantástico. Lo que hace a este tema merecedor de estar marcado en rojo es la variedad de matices que se presentan entre las partes acústicas y el estribillo cargado de emotividad. Sobre la letra, Luis declara:

Mirando una perrita que tenía en casa, sentí que era casi un ser humano pero que ciertos designios la habían conminado a ser un can. Allí nació la idea de "niño condenado” a ser perro por el diablo de febrero, pero a la vez perdonado. Perdonado de la angustia existencial de ser un humano o de ser un niño que pide limosna bajo la lluvia.

  Las golondrinas de plaza de mayo es un tema con influencia del tango que tiene una excelente melodía y un riff de sintetizador y guitarra muy bueno. Los bandoneones aportan un toque de misterio y dulzura.

  El jardin de los presentes es, a mi punto de vista, un disco algo sobrevalorado. Creo que Durazno sangrando es muchísimo mejor, aunque sea considerado por muchos como lo peor de Insivible. Este es un LP con influencias del tango, con letras de aire porteño (el amargo, el colectivo, la vieja, silbar un tango, las golondrinas (que en realidad son palomas) de plaza de mayo, etc.).
  Pomo deja de ser un baterista que improvisa incesantemente debido a su imposibilidad de realizar esto en temas del estilo que cultiva este lanzamiento. Sin embargo no deja de ser un muy buen instrumentista: cuando hace algo (ya sea improvisar o limitarse a seguir el ritm) lo hace impecablemente.
  Spinetta comienza a cantar de una forma preciosa. Los alaridos pertenecientes a Desatormentándonos se borran definitivamente, formando así una de las mejores vocalizaciones de la primera década de Spinetta junto con las de A 18' del sol. En este trabajo se observa una tendencia del Flaco a componer temas con estructura de canción simple.



         

sábado, 26 de noviembre de 2011

Invisible (1974) - Invisible



Puntuación: 9+

Mejor tema: Irregular

Tracklist:

01. Jugo de lúcuma
02. El diluvio y la pasajera
03. Suspensión
04. Tema de Elmo Lesto
05. Azafata del tren fantasma
06. Irregular



Ya en las grabaciones de Artaud, Luis Alberto le había comentado a Pomo la idea de hacer un nuevo grupo, y al baterista esta idea le había gustado.
  Todos los grupos del Flaco nacen con una propuesta. Almendra nació por las ganas de hacer música por parte de un grupo de adolescentes, que desde el secundario venían preparándose para algo más profesional. Pescado Rabioso nace con la importante influencia de las guitarras distorsionadas de Pappo, y como un camino lateral de su primer grupo y del poco éxito de Spinettalandia y sus amigos. Jade nace con la idea de hacer una banda con dos teclados, un grupo en el que estos tengan más protagonismo que la guitarra. Pero Invisible nace con la idea de eliminar el tan usado efecto distorsivo en su anterior agrupación. Los conjuntos de la época usaban demasiado este efecto, y el líder del grupo quería lograr un sonido distinto al de los demás de la época.
  Lo que hace espectacular a Pescado Rabioso no es solo la presencia de las creativas y originales composiciones de Spinetta. Pomo y Machi son maestros en lo suyo, y esto hace que Invisible se convierta en un grupo especial: si tenemos a un intelectual y creativo músico como el Flaco y lo combinamos con un trabajo tan maravilloso y sólido técnicamente como el de Lorenzo y Rufino, obtenemos algo fantástico. Este es el grupo Spinettiano en donde más evidente se hace su influencia jazzera. Vamos a los temas.
  
  El disco empieza con un extraño sonido ejecutado por la guitarra que da comienzo a Jugo de lúcuma, un excelente tema que tiene un inolvidable y pegadizo riff. Y no es solo esto lo que hace impresionante a este tema. La melodía es muy buena y posee un toque místico que sólo Spinetta sabe dar. ¿Escucharon cómo se cruzan los ritmos de la melodía de voz con todos los instrumentos? Eso me vuela la cabeza. Otro detalle fantástico es la sorprendente e inesperada melodía de guitarra que se escucha al final.
  El diluvio y la pasajera tiene grandes espacios totalmente libres para la guitarra, en donde Luis se luce con su acústica. Ni hablemos de la grandeza de la melodía final “Si ya no la esperan a cenar en casa, /debe ser porque se marcha y nunca regresa por la noche”. Sus melodías, las improvisaciones y la gran ejecución de base, hacen a este tema un candidato para el mejor del disco.
  En Suspensión podemos ver que la regla numero uno de Invisible (no usar distorsión) fue corrompida. Pero sin embargo no abusan del efecto, y conforman riff’s realmente geniales llenos de fuerza. El intermedio da la sensación que el título describe y es una parte muy intrigante. En fin, una pieza de oro más en el LP.
  Tema de Elmo Lesto es un tema instrumental con grandes partes de guitarra y una base pasmante, pero no supera las expectativas que tengo para un highlight: en realidad formaría el punto más bajo del disco. Pero tampoco es despreciable: es entretenido y disfrutable. Además es corto y no llega a aburrir.
 
Azafata del tren fantasma tiene melodías realmente geniales, un estribillo bastante raro y un riff final lleno de fuerza. Pero lo que hace a este tema realmente destacable es la improvisación que se esuccha en la mitad de él.
  Irregular es una composición muy buena, con predominio en la parte instrumental. Si tuviera que elegir una melodía que indique lo que su título dice, elegiría este tema. El constante cambio de tiempo rítmico y los maravillosos solos son característicos de esta canción.
  
  Como conclusión, podemos decir que Invisible, una vez lanzado este LP, era una banda con futuro, con grandes proyectos, y con la infaltable creatividad e impresionante gusto aportado por Spinetta. Un disco con grandes riffs e improvisaciones cargadas de sentimiento y, obviamente, el espectacular aporte de Pomo y Machi que le da algo que muy pocos grupos tienen: viveza e hiperactividad por parte de la base.
  Se preguntaran Porque puntúo con 9+/10+, estando este disco repleto de temas buenísimos? Porque el nivel de Durazno Sangrando es insuperable dentro de Invisible, siendo éste definitivamente el mejor disco del grupo. Parece que este iba a ser el mejor, pero no fue así: el Flaco nos sorprende cada vez más.



       

viernes, 25 de noviembre de 2011

Introducción a Pescado Rabioso





Concepto general
  Luego de la separación de Almendra y de la grabación de Spinettalandia y sus amigos, Spinetta busca un nuevo sonido. El segundo lanzamiento de su primer grupo ya contenía un aire de rock pesado con guitarras distorsionadas. Pero es Pescado Rabioso en donde este estilo es realmente desarrollado: fulminantes y agresivos riffs son compuestos y ejecutados por la banda. Luis Alberto pasa a vocalizar alaridos, cosa que ayuda constituir un ambiente más rockero trodavía.
  Pero no piensen que el rock pesado es el único estilo interpretado por el grupo. Además de tener melodías agresivas y guitarras vociferantes, Pescado Rabioso también toca composiciones acústicas. Además, el grupo se anima a experimentar: las letras surrealistas son nuevas en la historia de las ellas (dentro del rock nacional). La presencia de este movimiento artístico marca un estilo definitivo para las líricas de Spinetta. ¿Que artista puede componer líneas como las del Flaco? Si saben de alguien, avísenme. Otra de las cosas revolucionarias de la formación es la innovación que tuvieron muchas veces en temas como Aguas claras de olimpos, Corto, Cantata de puentes amarillos, Por, A Starosta, el idiota y algunos más.
  Otra de las grandes hazañas de Pescado Rabioso es haber grabado Artaud, el mejor disco de rock nacional según muchas personas. No llama la atención que discos tan buenos como Deatormentándonos y Pescado 2 hayan sido menospreciados bajo la aparición del ponderado último lanzamiento del grupo.
  Spinetta es, decididamente, un autor prolífico. En sólo dos años lanzó 3 discos que puntúo con mas de 9+.







Los músicos
  Cabe aclarar que no es mi intención nombrar a todos los integrantes de Pescado Rabioso: sólo quiero hacer una crítica sobre ellos.
  Los artistas que integran éste grupo no son todos perfectos, como en Invisible. Pero sin embargo, todos mantienen un muy buen nivel musical.
  La base (batería y bajo) nunca fue demasiado trascendental en Pescado Rabioso:  llegó a tener un nivel de reconocimiento especial. Sobre esta puedo decir que tiene gran influencia (sobre todo en Desatormentándonos y en ciertos temas de Pescado 2) de la de Led Zeppelin.
  El teclado, que aparece en el último tema de Desatormentándonos y en todo Pescado 2, es sencillamente genial. Cutaia se luce como pocos tecladistas de rock argentino aportando variedad de matices a la música de su grupo.
  La guitarra al mando de Spinetta es espectacular. Las improvisaciones por Luis Alberto son genuinas, y el uso que este le da es diverso: tanto para "solear" como para acompañar al fantástico sintetizador de Carlos. Además, es el instrumento que termina por cerrar el estilo rockero de Pescado.
  Tal vez no haya sido la mejor etapa del Flaco como cantante, ya que las desafinaciones predominan. Pero Luis canta con tanta pasión que contribuye a mejorar el nivel de ella. Todo lo que estoy diciendo tal vez se resuma en Credulidad: una voz que parte el alma y que a la vez cala es vocalizada por Spinetta en esta canción.
  




         

lunes, 21 de noviembre de 2011

Durazno sangrando (1975) - Invisible



Puntuación: 10+

Mejor tema: Encadenado al ánima

Tracklist
01.   Encadenado al ánima
02.   Durazno sangrando
03.   Pleamar de águilas
04.   En una lejana playa del ánimus
05.   Dios de la adolescencia





Es imposible no hablar de Durazno sangrando como el mejor disco de Invisible, y el único conceptual grabado por el grupo. El Flaco, decidido a seguir con el jazz-rock style cultivado en su anterior trabajo, grabó éste que a mi vista está totalmente infravalorado. Tal vez esto sea porque la fusión de hard - prog - jazz rock no haya atraído a nadie.
  Cuando hablamos del segundo LP de Invisible, hablamos de un disco épico, cargado de descomunales riffs, grandiosas melodías, y delicados arreglos ejecutados únicamente por la maravillosa púa de Spinetta.  Pero hay algo extraño aquí: había culminado el auge rockero del Flaco en Pescado Rabioso, dando lugar a un estilo muy jazz fusión en el disco homónimo. Parecía que Luis se iba a adentrar en terrenos todavía más jazzeros (cosa que haría más adelante, en A 18’ del sol)… Pero no: se decide a mezclar ese jazz rock antes nombrado con una pizca rockera. ¿Adónde aparece ésta? Más que nada en Encadenado al ánima y En una lejana playa del ánimus, temas en los que se perciben riffs similares a los escuchados en Desatormentándonos (por excelencia, el disco más pesado del artista) mezclados con improvisaciones que se asemejan a las aparecidas en el primer LP.

Encadenado al ánima es un genial tema de larga duración con un estilo conformado por las fusiones que nombré al principio, repleto de fantásticos riffs, hermosos intermedios e improvisaciones, y una letra totalmente surrealista. La dulzura, la violencia, el misterio y muchas más sensaciones recorren nuestro cuerpo al oír esta composición. Pasajes rápidos, y pasajes lentos son mezclados sin preocupación en este número, creando así una sensación extraña que nos deja perplejos. Estas composiciones son decididamente las más arriesgadas y experimentales de Invisible. Supongo que no hace falta describir la cantidad de ambientes oníricos y salvajes creados. La lírica del disco recibe influencias de El secreto de la flor solar, un libro de filosofía china de moda en esa época. Resumiendo a grandes rasgos, el escrito planteaba la vida y la muerte con distintos nombres: el ánimus y el ánima. Como podemos ver, el tema se llama Encadenado al ánima. Veamos el significado de la primera palabra según la RAE:
1.       Adj. Dicho de una estrofa: cuyo primer verso repite en todo o en parte las palabras del último verso de la estrofa precedente.

  Como podemos ver, la letra de ésta canción y la de En una lejana playa del ánimus terminan con la misma frase: “La distancia es un caudal de eternidad, agazapada sobre la espalda de un león”. Entonces eso hace pensar: ¿Terminarán los dos con la misma frase, por la conexión existente entre la vida y la muerte? Yo pienso que sí. La vida termina en la muerte, y ¿Cómo estamos tan seguros de que la muerte no termina en otra vida? Nose si Spinetta habrá querido que pensemos esto al leer sus poemas, ya que sus poesías, al ser tan herméticas, dan lugar a centenares de opiniones y reflexiones. Luis sólo quiere crear arte sin ningún tipo de preocupación.
  Luego de geniales improvisaciones y atmósferas del ensueño creadas tanto por la letra como por la música en el anterior tema, como para aliviarnos de tanto delirio y cambio, viene Durazno sangrando, otro que se lleva una marca de excelencia. A diferencia del anterior, es corto y más "académico". Es una especie de relajo acústico pastoral, un descanso del largo camino que nos toca recorrer, una canción tranquila y atmosférica, que posee una bellísima melodía (de las mejores del disco, Invisible y, ¿Porque no la obra de Spinetta?). La letra habla de la historia de un durazno que cae de un árbol ubicado junto al río. Esta fruta se rompe, toca las aguas y comienza a sangrar. Según El secreto de la flor solar, al producirse contacto entre el agua y el carozo de un durazno, se produciría la flor solar. Esta obra de Invisible sufrió censura: el gobierno decía que la tapa era una insinuación de vagina y la historia relatada en el tema homónimo hablaba de la menstruación (!). En esta acústica composición, solo hay un toque de guitarra eléctrica: el solo. ¡Maravilloso! Una pizca de 5 notas realmente emocionantes, que no hacen otra cosa que hacer la canción todavía mejor.
Entonces un cántico marinero se aproxima. Hablamos de Pleamar de águilas, que es un muy buen tema con una mezcla de guitarras que lo hace muy especial. A diferencia de todas las canciones de Invisible, está cantada por Machi, porque la letra habla de la navegación, tópico que a él le gustaba mucho. La voz del bajista no es muy destacable, pero es en una sola canción en la que se percibe.
  Viene otra suite: En una lejana playa del ánimus, una composición fascinante, llena de grandes atmósferas. El ensueño está presente entre todas ellas, y la letra es muy extraña (surrealista, para ser mas precisos). El rumbo del tema cambia totalmente en el final del minuto 5. ¿Alguien se esperaba este dinámico riff? Yo no. Las melodías de voz son todas hermosas, sin excepción, y las improvisaciones guitarrísticas siguen siendo fantásticas. En Encadenado al ánima la mayor fuente de belleza era la guitarra de Spinetta. Pero en esta canción, ésta es definitivamente las gigantes melodías vocalizadas por Luis Alberto.
 Dios de la adolescencia es una corta canción con rasgos pop y hermosa melodía. Pero nada más puedo decir de la composición, lo cual me justifica a dejarla en un nivel inferior al de los otros temas del disco. La única letra no surrealista del disco.
  
En forma de síntesis, tenemos un disco repleto de pasajes jazz, violentos riffs, hermosas melodías, letras locas y filosofía abstracta.
  La presencia tanto de Pomo como de Machi es imprescindible. Si el Flaco hubiera elegido cualquier músico para esta agrupación, sería de una calidad muy inferior. La base de este grupo es muy activa: no para de improvisar con fusión jazzística. La calidad interpretativa fue siempre una característica de Invisible, y eso lo convierte en un grupo aún más destacable, con un sonido único en su época, y ahora también. Nunca se repitió en Argentina que un trío de rock haya tenido un nivel tan alto, con un sonido tan particular, y una propuesta tan interesante. Sin dudas, un +10 es lo que éste disco se merece.



       

Desatormentándonos (1972) - Pescado Rabioso

  

Puntuación: 10-

Mejor tema: La serpiente (viaja por la sal)

Tracklist

01. Blues de Cris
02. El jardinero (temprano amaneció)
03. Dulce 3 nocturno
04. Algo flota en la laguna
05. Serpiente (viaja por la sal)





El Flaco había terminado con Almendra y grabado Spinettalandia y sus amigos: estaba en busca de una nueva orientación. El ya nombrado disco es, a mi forma de ver, lo peor de Spinetta de su primer década debido a su desprolijidad interpretativa. Esta desorientación se debió mas que nada al reflejo de la nueva vida del artista en este LP: ya no tenía mas a Cristina Bustamante (chica a la que le dedicaría un tema en Desatormentándonos); se había separado de su familia... estaba perdido en la vida. Pescado Rabioso surgió, y junto a él, su primer trabajo:

  Blues de Cris es, como su titulo lo indica, un buen blues pesado con una distorsión característica de Pescado Rabioso. Es el segundo tema dedicado a su (ahora) ex-novia. Una vez que Spinetta la perdió, le hizo este tema expresando su decepción. Lo mejor de éste es el solo de guitarra del final, que no tiene ninguna nota de más ni de menos (hay que reconocer que eso es algo muy característico en Luis Alberto). Me gusta mucho el aire abrumador concedido por la distorsión usada aquí. La melodía no es de las más hermosas del artista (ni pretende serlo), sin embargo encaja perfectamente con el aire del tema.
  Llega El jardinero (temprano amaneció) con una excelente distorsión que crea un aire onírico muy bueno, y una melodía que nos termina introduciendo en la cabeza de Luis Alberto. Las improvisaciones son muy creativas, y la agresividad que pone el Flaco al cantar termina consagrando a este tema como uno de los mejores del disco.
 Luego de un falso final, como para desprendernos la abrumación auditiva creada por el anterior tema, viene Dulce 3 nocturno: una pieza acústica de hermosa tranquilidad. Este es uno de los temas que nos sumerge en su atmósfera pacífica y tranquilizadora. El coro es algo desastroso, pero también nos ayuda a meternos en la ya nombrada atmósfera, y tiene una hermosa melodía. Conmueve y nos llena de energía. No hay manera de describir la fuerza de la parte "Ven hacia mi,/ ven hacia mi dulce 3/ ahah".
  Se escuchan unos bombos y guitarras, con un riff realmente perfecto y rockero. Hablo de Algo flota en la laguna. ¡Que gran tema! Otra carga de pesimismo y abrumación al disco, una canción también muy improvisada y realmente rockera, llena de violencia puesta por parte de sus instrumentistas con un riff que parece realmente un monstruo que ataca a las personas. 
  Entonces las distorsiones de las guitarras se sumergen y se escucha un hammond en forma de acompañamiento. Empieza La serpiente (viaja por la sal), que es definitivamente el mejor tema del disco. Una mezcla del rock que ya se venía interpretando con una melodía excelente, cargada de tristeza y algo de violencia se aprecian en ésta canción. Cutaia aparece por primera vez en el grupo dando un excelente debut, que sería mejorado en Pescado 2. ¿Tengo que describir la pasión y fuerza empleada en la fracción del minuto 5: 10? No lo exijan, porque me quedo sin palabras. La parte más rápida del tema es muy parecida al paso ligero de una serpiente por la selva. En el retorno a la estrofa inicial el sentimiento puesto por el Flaco en la voz, es excelente. Un tema que da mucho para hablar.
  
  Tal vez no sea de los discos mas variados de Pescado Rabioso, pero sin embargo tiene una joya tras otra y está cargado de rock y sentimiento. Constituiría su disco más pesado, estilo que pasa en forma mas leve en Almendra II, y se consolida aquí.
  Desatormentándonos es definitivamente un disco olvidado. Entre la grandeza de Artaud y Pescado 2, éste queda atrás y es considerado por muy pocos. Lo mejor de Desatormentándonos es su genial estilo psicodélico, retazo estilístico que venía interpretandose desde Spinettalandia y sus amigos. Spinetta nuevamente nos sorprende demostrándonos que puede hacer sonar cada vez más estilos de una forma alucinante.
  Sin embargo, el único punto bajo del disco es su poca variedad: tal vez si hubiera más temas que no fueran de rock pesado, se llevaría un 10+. Pero un 10- es lo más justo en este caso.



       

domingo, 20 de noviembre de 2011

Artaud (1973) - Pescado Rabioso





Puntuación: 10+

Mejor tema: Cantata de puentes amarillos

Tracklist

01.  Todas las hojas son del viento
02.  Cementerio club
03.  Por
04.  Superchería
05.  La sed verdadera
06.  Cantata de puentes amarillos
07.  Bajan
08.  A Starosta, el idiota
09.  Las habladurías del mundo





En Artaud el Flaco se encuentra desamparado: los músicos que antes conformaban Pescado Rabioso se habían retirado del grupo. No había otros compositores: era Spinetta el que componía todo, y esto molestó a los integrantes que antes habían tocado en Desatormentándonos y Pescado 2.
  Entonces, había que conseguir nuevos músicos para llevar a cabo su nuevo proyecto y cerrar el contrato de tres discos con Microfón. Fueron Rodolfo García, Emilio del Guercio (ex-integrantes de Almendra) y Gustavo Spinetta los que tocaron para el Flaco en este disco.

  La letra de Artaud es sumamente surrealista. En los poemas de Luis, se perciben muchas características de dicho movimiento: imágenes oníricas, incoherencias, y temáticas tratadas por ésta tendencia artística se encuentran en las redacciones de Luis Alberto. Una de las piezas surrealistas más puras de Spinetta está en Cantata de puentes amarillos, un tema acústico experimental de 9 minutos de duración, con una lírica llena de las características que antes nombre.
  En cuanto a la música, éste es un LP majestuoso. Se encuentran canciones sumamente tranquilizantes, otras cargadísimas de pasión, blues terribles y joyas rock-pop. Pero esto no es lo mejor: la cumbre del disco es definitivamente Cantata de puentes amarillos. La letra y la música de este tema hacen que éste tenga lugar entre lo mejor de la carrera Spinettiana.


  Los primeros minutos del disco están conformados por Todas las Hojas Son del Viento, que es una canción muy apacible y conmovedora. Este es el tercer (y último) tema que Luis le dedica a Cristina, su ex novia, la muchacha ojos de papel. Ella estaba embarazada, y el Flaco decidió darle un apoyo aconsejando que cuide a su bebé de los peligros del mundo, y que a la vez lo deje trazar su camino. Como para dejarnos la frescura impregnada, la dulzura aferrada, se presenta una coda con un riff de guitarra eléctrica que marca el final del tema.
  Cementerio Club es un número que tiene muchas improvisaciones de guitarra, cosa que lo consagra blues. Crea una atmosfera de sensualidad muy particular, y nos deja inmerso en una atmósfera que sólo Spinetta es capaz de crear.
Por es otro tema acústico, con una melodía muy disfrutable, y una lírica bastante surrealista. Este tema, a diferencia del anterior, nos mete en la sencillez pura provocada por el simple acompañamiento, y la particular melodía vocalizada, con una lírica también muy simple y extravagante.
Superchería es el único punto en el que el disco baja de calidad. La introducción puede resultar algo cansadora, pero esto cambia con "Cuando te das cuenta que es tu amigo quien te da la mano", con una melodía muy agradable y movida, que es la que salva a la canción de ser el único lowlight del disco. Además, los punteos interpretados por la guitarra de Luis Albero son muy buenos.

  La sed verdadera es un tema excelente, con una parte de voz hermosa, atmosférica y muy propia de Spinetta. Tiene un acompañamiento acústico, con unos detalles aportados por la guitarra eléctrica. La melodía de ésta canción tiene algo muy propio del Flaco: un toque un poco misterioso aportado por su propia voz, y su particular forma de cantar con una pasión y sentimiento increíble. Los ambientes son hermosos, y esa simple voz y acompañamiento de guitarra, nos hacen volar por los cielos, cruzar la vía láctea, y volver a la tierra. Tal vez éste tema sea el primero en tener una atmósfera cargada de preciosismo puro, cosa que llega a su cumbre en A 18’ del sol.
  Se nos presenta lo mejor del disco: Cantata de puentes amarillos. Este número posee muchos cortes y cambios repentinos de rítmica, melodía y demás cosas que nos hacen alucinar. Crea un centenar de atmósferas con solo dos herramientas: guitarra y voz. No puedo hacer otra cosa que no sea rendirme ante los pies de la letra de ésta “canción”. Una curiosidad sobre la misma es que utiliza, según leí en varios análisis, obras de otros artistas como fuente de inspiración propia (cosa que los poetas negros solían hacer). ¿Qué obras utiliza Spinetta para impulsar la suya?: Las cartas de Van Ghog a su hermano Theo, y el cuadro del mismo autor llamado "Puente amarillo en Langlois, Francia". Al terminar éste tema, nos quedamos inmersos en la genialidad del mismo.
  Luego viene Bajan, una joyita pop con un estribillo espectacular. Este tema es quizás junto con Las Habladurías del Mundo, el easy-listening. Es amigable y tiene una melodía excelente, lo que lo hace digno de estar marcado en rojo.
A Starosta el idiota comienza con un piano medio azotado en forma de acompañamiento a una excelente melodía. Las diferentes secciones que se escuchaban en el cántico a los puentes (?) se escuchan aquí también, cosa que hace que forme parte de la tríada experimental de Artaud (Por, Cantata de puentes amarillos y éste tema). En cuanto a la letra, el Flaco le habla a su "yo estúpido"; cosa que se puede observar en la fracción que dice "No llores más, ya no tengas frío/ no creas que ya no hay más tinieblas/ tan solo debes comprenderla/es como la luz de primavera". Cuando Spinetta hizo este tema, lo hizo sin pensar en Starosta. Compuso la letra, y a la hora de ponerle título, se acordó de algo: antes, en su pueblo, había una marca de cucuruchos de helado (!) que se llamaba "Starosta". Con su íntimo amigo Emilio Del Guercio (ex integrante de Almendra, fundador de Aquelarre, y músico en este disco) decían que si existía alguien con ese nombre, debería de ser un idiota. Entonces recordó ese “imbécil interior" al que le habla en el tema, y le puso de nombre "A Starosta, el idiota".

  Las habladurias del Mundo es una canción que tiene una melodía excelente, y una guitarra muy pegadiza. Es, para concluir el disco, un número muy bien elegido. El título de este tema es así porque con su íntimo amigo Emilio Del Guercio compartían todo: desde la casa, hasta las mujeres. Entonces la gente empezó a rumorear que eran homosexuales, y conformaban una pareja. Fue entonces que Spinetta hizo este tema hablando justamente de los rumores que circulan por todos lados.

  Artaud es definitivamente el mejor disco de Pescado Rabioso: un rojo tras otro. Sin embargo, al ser éste un disco tan reconocido, quedaron a trasluz sus discos antecesores: dos excelentes LP’s, con un altísimo nivel.

  En los grupos de Spinetta siempre hay un músico para destacar (aparte de él mismo): en Jade tenemos a Rappaport, en Invisible a Pomo, y en la antigua formación de Pescado Rabioso, a Cutaia. Pero en éste CD, Luis Alberto es el único que se destaca. Tal vez porque lo hicieron en poco tiempo (menos de un año), tal vez porque Luis lo quiso así; pero aquí en Artaud, nadie lo iguala.