lunes, 26 de diciembre de 2011

We're only in it for the money (1968) - Frank Zappa and The mothers of invention







Puntuación: 10-


Mejor tema: Absolutely free o Mother people

Tracklist
01. Are you hung up?
02. Who needs the peace corps?
03. Concentration moon
04. Mom and dad
05. Telephone conversation
06. Bow tie daddy
07. Harry, you’re a beast
08. What’s the ugliest part of your body?
09. Absolutely free

10. Flower punk
11. Hot poop
12. Nasal retentive calliope music
13. Let’s make the water turn black
14. The idiot bastard song
15. Lonely little girl
16. Take your clothes off when you dance
17. What’s the ugliest pat of your body? Reprise
18. Mother people
19. The chrome plated megaphone of destiny



 Hay una infinidad de músicos que colaboran en este disco, así que les dejo un link de Zappa Grita! en el cual pueden ver todo, y si lo desean leer el propósito ideológico del disco bien explicado.
 Dejemos que Sebastián Ruffo (del blog antes nombrado) nos explique el concepto filosófico de We’re only in it for the money (haré recortes del texto, por si no quieren leer todo).
 
  De lo que se trataba era de darle el tiro de gracia a un movimiento que, víctima de sus propias contradicciones, había terminado por aislarse en la complacencia y en el autoconvencimiento. Emanado como producto ideológico de las clases acomodadas y del todo ajeno, aun en sus manifestaciones más radicales, a la clase trabajadora a la que pretendía emancipar por la sola fuerza de la conciencia y la buena voluntad, estos herederos y continuadores fallidos de los beat de los años cincuenta tendrían que terminar por reconocer, en un ejercicio de honestidad, que los grupos sociales a los que pretendían redimir no tenían otro objetivo en la realidad que incorporarse al llamado “sueño americano”. [...] Uno de los grandes temas de la obra de Frank ZAPPA a lo largo de sus diferentes etapas es la pérdida de la humanidad básica y de los lazos más elementales de la solidaridad entre las personas. Claro está que ZAPPA jamás lo habría enunciado así [...]. En vez de ello, echó mano de un recurso [...] que utilizó desde el principio como punta de lanza de su arte: la sátira social. Y sátira social es lo que encontramos en "We’re Only In It For The Money". Desde instituciones o esfuerzos institucionales como los “Peace Corps” y el sistema de administración de talentos de las compañías grabadoras, hasta el flower power y la libertad sexual, la paternidad irresponsable y la represión policial, nada escapa a la mirada implacable de un observador que pareciera mofarse de cada uno de sus personajes como si se tratara de un museo de arquetipos irrisorios: el jipi, el junkie, los padres insensibles y consumistas, la policía brutal y los estudiantes muertos por la Guardia Nacional, la feminidad envilecida (… the ugliest part of your body… I think it’s your mind), las ropas de plástico asimilables a las mentes igualmente plásticas de sus portadoras, como si se tratara de viles objetos de manipulación y de todas las formas imaginables de explotación política, publicitaria, sexual, e ideológica.



 Este disco es una fusión del rock británico con la mente revolucionaria de Frank Zappa. Podemos escuchar coros casi Beatle (no hace aclarar que la intención paródica es obvia), melodías ultra pegadizas, voces extremadamente raras y efectos extraños muy avanzados para la época de su grabación. El revolucionario líder de The mothers of invention siempre fue alguien muy inquieto a la hora de componer. ¿Me pueden nombrar a algún otro músico que se haya pasado 12 hs. por día experimentando con métodos de grabación? Con sólo escuchar The chrome plated megaphone of destiny nos damos cuenta de la mente innovadora que tiene su compositor.

 El disco empieza con los raros efectos que antes describí en Are you hung up?. Cabe destacar la participación de Eric Clapton (que es el que se escucha preguntar “Are you hung up?), Gary Kellgren en la voz terrorífica y susurrante del medio, y la de Jimmy Carl Black que se introduce el mismo como “the indian of the group” (porque verdaderamente lo era).
 Who needs the peace corps empieza de repente con una melodía muy buena cantada toscamente por varias voces acompañada de una pegadiza y algo árabe guitarra punteando una melodía simpática. En la letra se nombran lugares de San Francisco como el “Owsley’s floor”, que era un lugar donde experimentaban con LSD. El monólogo tiene líneas geniales y paródicas como “I will love everyone/I will love the police as they kick the shit out of me on the street” o “I will go to a house where there's a rock & roll band 'cause the groups all live together/And I will join a rock & roll band and I will be their road manager”.
 La suite Concentration moon comienza con un coro nasal cantando una melodía hermosa y unas guitarras alegres acompañándolo. La segunda parte la conforma una frenética melodía y una batería ágil. Mientras la parte lenta del tema representa a la voz de los hippies disfrutando en un valle donde la luna es hermosa, la sección de “AMERICAN WAY” es el grito serio de alguien (Zappa, ¡Quien más!) que se queja de la violencia de la policía que arriva al valle psicodélico matando a cualquiera que resulte “raro”.
 Mom & dad es una balada, esta vez inferior a los temas anteriores. La melodía no alcanza a entusiasmarme demasiado, y la instrumentación no alza el nivel de la canción. La letra es genial, y cuenta de alguien que se queja de la poca capacidad de pensamiento de sus padres, diciéndoles que no les va a importar que la policía mate a hippies y que van a seguir bebiendo sin mostrar una emoción y alegrarse de tener hijos que si pueden razonar. Luego se les anuncia que sus criaturas fueron vícitmas de otra matanza por parte de los represores sólo por ser amigo de los "creeps".
 Telephone conversation es muy aburrida y se merece estar en verde. Está bien: es otra pieza experimental. Sin embargo, Are you hung up era así también y debido a que cambiaba permanentemente no aburría, a diferencia de este tema.
 Bow tie daddy posee una de las mejores melodías del disco. Es ultra pegadiza y alegre. La letra es otra queja de la insensibilidad e inoperancia mental de los adultos de la época.
 Harry, you’re a beast es también muy buena, pegadiza y nuevamente beatlera. Cabe destacar las voces modificadas que se asemejan a un sapo o algo parecido. La lírica del tema es una crítica de la condición vacía, idiota y apestosa de las mujeres y de la inconciencia en la que se manejan en las relaciones sexuales los adultos.
 What’s the ugliest part of your body? tiene inicialmente una melodía hermosa con coros distorsionados y la segunda parte posee una batería violenta y aplastante, y una voz igual. La letra es otra crítica de la condición femenina en la sociedad, acusando a las mujeres de seres impensantes que caen bajo las mentiras del estado conservador de las cuales sus hijos son víctimas y que compran todo lo que el mercado y los estereotipos creado por este imponen, diciéndoles que lo más feo de ellas es su mente.
 Absolutely free empieza con un piano reposado y sigue con una buena melodía acompañada de  una percusión que parece salida de la milicia. El estribillo es muy armonioso y pegadizo, el riff final es magnífico y las voces que aparecen alrededor del tema me encantan. La lírica es buenísima, y está dirijida a todas las personas impensantes diciéndoles que se “discorporen” (traducido, sería algo así), que “dejen su cuerpo” (como explica Zappa al principio del tema) y que lo sigan para que él los transforme en personas con juicio propio y críticas de su realidad. Entre medio de estos llamados, hay estrofas que describen pasajes psicodélicos (burlándose, como siempre en el disco).
 Flower punk no es muy destacable: consiste en un acompañamiento ligero con un órgano hammond que termina siendo bastante repetitivo y una melodía poco trascendente. La letra sitúa a uno en el lugar de alguien que acosa a un “raro” preguntándole porqué hace todo lo que hace. En el desordenado final de la canción se escucha a Frank Zappa tanto del lado derecho como el izquierdo diciendo diferentes cosas por cada lado. Por uno, se sitúa como una estrella de rock entrevistada y dice que antes apenas podía llevar el ritmo con la guitarra, pero ahora hasta podía bailar y girar con ella, y por otro se pone también en lugar de un artista de rock and roll comercial indeciso de qué comprarse, que luego ve una chica y coquetea con ella.
 Hot poop (¡Que nombre gracioso!) es decididamente mala e intrascendente. Su letra, que si no fuera por la ayuda de Waka Jawaka no entendería, es una serie de insultos a las personas que discriminan a los de pelo largo, que por esa época eran mal vistos por los adultos.
 Nasal retentive calliope music es otro número sumamente experimental que aterroriza. En realidad, está grabada con isntrumentos convencionales pero distorsionada completamente por Zappa con sus innovadoras técnicas de grabacion.
 Let’s make the water turn black ya es más easy-listening. Tiene una cínica, pegadiza y acelerada melodía que canta un coro con voces modificadas. La letra habla de una familia que parece ser normal (la mujer atendiendo una cafetería, el padre trabajando de vendedor, los hijos ayundando y uno de ellos yendo a la escuela) pero que en realidad ocultan locura tras ese moderno disfraz de familia estereotipo.
 The idiot bastard son es una balada reposada que tiene una melodía poco destacable y un acompañamiento igual, pero que luego se vuelve una locura experimental y retoma una melodía de estribillo loca. La lírica trata sobre un niño abandonado hijo de un nazi y una prostituta que es abandonado en un auto, y encontrado en un choque por dos personas. Los individuos lo adoptan y alientan su desarrollo, mientras él va  la iglesia como un buen niño. Mientras todo esto pasa, se lo acusa de idiota y bastardo. No logro interpretar bien esta canción: puede ser una crítica a la sociedad que insulta y reprime a todo aquel diferente al estereotipo social, desde los raros con pelos largos hasta los niños que caen en desgracia, o también puede ser que el que insulta al niño que se comporta bien es Zappa, ya que el chico es otra víctima del sistema educacional destinado a ser otro padre inpensante.
 Lonely little girl empieza, como muchas otras canciones aquí, con un coro que canta una melodía pegadiza. Pero luego una banda de vientos y una acumulación de voces que gritan forman un ambiente dramático que da por finalizado el tema. La lírica del tema trata de una chica que está sola porque sus padres no la comprenden y siguen ignorando su situación (¡Frank no para!).
 Take your clothes off when you dance es magnífica: tiene un acompañamiento muy marcado, una melodía hermosa y voces divertidas. Luego de la primer estrofa se escucha un solo de guitarra, que tal vez sea el único momento en el disco en que la guitarra lleva el mástil del tema. En la letra, Zappa habla como si fuera hippie, y dice, burlándose y a la vez criticando la utopía del movimiento flower power, que va a haber un tiempo en el cual no va a haber prejuicios en la sociedad y en que todo ser va a ser libre para amar, bailar y cantar.
 What’s the ugliest part of your body? (Reprise) es, como diec el titulo, una aceleración del octavo número del disco y también es, nuevamente, una parodia a Sgt. Pepper’s lonely heart club band. Intrascendente pero tampoco mala, está sólo para burlarse de los Beatles.
 Mohter people es un tema con estrofas que contrastan siendo unas rápidas y otras lentas. El coro “We are the other people” me fascina, los detalles del medio con las guitarras me encantan, y la estrofa lenta es muy buena. Todo termina con la aparición de una banda de cuerdas y vientos hermosa, que retoma la melodía principal. La letra es una declaración directa de Frank Zappa hacia el que lo escucha. La lírica dice que ellos son las “otras personas” y que no son tan raras como las creemos. Me resultó dificil entenderla, pero supuse que se refieren a que ellos no son ni hippies ni adultos sumidos ante las mentiras del sistema: ellos son “los otros”, las personas que contemplan la sociedad con una mirada crítica y se dan cuenta de las atrocidades del sistema.
 The chrome plated megaphone of destiny es la pieza más experimental del disco: se escuchan  sonidos inimaginables, ruidos que sólo he escuchado por parte de Zappa. Encontré, navegando, un blog en el que está traducido el panfleto ideológico que describe cómo escuchar este tema. Si quieren leerlo (vale la pena) entren aquí. En los primeros pasos para interpretar este número, se nombra el título de un cuento de Franz Kafka que tienen que leer. Les dejo el link (del cual lo leí yo) por si les surge hacerlo.

  No hay nadie que supere en rebeldía a Zappa. ¿Se dieron cuenta de todo lo que critica Frank a lo largo del disco, en la época en que lo hace, y con la calidad que lo hace? Un aplauso para el genio.
 We’re only in the money, aparte de tener secciones que significaron una revolución para el rock experimental, también tiene partes sumamente disfrutables, con melodías hermosas y ultra pegadizas. Frank nos deja algo para todos los gustos...
El líder del grupo compuso todas estas melodías similares a la de los beatles (felices, movidas y simples pero pegadizas) con una mera intención satírica, es obvio.
 Zappa todavía no se lució con la guitarra porque quizo (o eso supongo), pero escuchen Hot Rats y cuéntenme.
 El doo-woop ya no es una influencia tan fuerte para Frank como lo era en sus inicios. Sin embargo, los coros siguen siendo un elemento fundamental para las canciones cantadas. de este disco.
 Por su extrema originalidad y su variedad, es justo otorgarle un 10- en vez de un 9+, puntuación que le daría a un álbum corriente que tiene la misma cantidad de highlights y lowlights que este.
 ¡Uff! Debo confesar que fue un árduo trabajo hacer esta reseña...


     

domingo, 25 de diciembre de 2011

Elements Pt.1 (2003) - Stratovarius


Puntuación: 9+

Mejor tema: Elements

Tracklist
01. Eagleheart
02. Soul of a vagabund
03. Find your own voice
04. Fantasia
05. Learning to fly
06. Papillon
07. Stratofortress
08. Elements
09. A drop in the ocean



Elemets Pt. 1 es un disco colmado de power metal y metal sinfónico bastante progresivo.  Hay bellezas que duran casi 10 minutos que tienen innumerables y bellos pasajes de orquesta y punteos de guitarra inmaculadamente ejecutados, y también muestras de virtuosismo impresionantes. Pero lo que hace que este disco se lleve un 9 es la belleza de temas como el homónimo, Papillon, Fantasia o A drop in the ocean: Stratovarius es magnífico cuando se propone calmar las aguas y otorgar momentos de hermosura descontrolada y rock pesado distorsionado. Vayamos a los temas.

  Eagleheart comienza con un pegadizo pasaje de teclado y una melodía intrascendente. Un enérgico estribillo se escucha, y un solo gigante de guitarras y teclados al unísono se puede apreciar. Brillante, highlight indudable.
  Soul of a vagabund no llega al nivel de su antecesor, pero sin embargo no llega a ser tan malo y se disfruta. El tema comienza con una introducción orquestal muy bien arreglada. El estribillo posee unos coros ultra épicos que cantan sobre una melodía no muy buena. El solo es maravilloso y sin dudas es lo mejor del tema. Tolkki nos deja boquiabiertos: esto es sólo una muestra de su gran capacidad como guitarrista.
  Unos coros de sintetizador abren Find your own voice, el segundo highlight del disco. La introducción instrumental es genial: ¡escuchen ese baterista! Las estrofas no son muy buenas, pero el estribillo las supera, el intermedio de guitarra es majestuoso (Tolkki se luce nuevamente) y el teclado improvisa muy bien. Lo mejor viene cuando las cuerdas y los sintetizadores tocan una frenética melodía, que es cuando la canción llega a su pico de virtuosismo.
  Místicos y fantásticos teclados que luego juegan entre sí abren Fantasia, la primera suite del disco. La melodía de las estrofas no es destacable (todavía no llego el momento del pico creativo en ese ámbito), pero el estribillo acompañado de dulces cuerdas y coros es muy trnquilizador. Pero la paz verdadera llega luego con bandeoneones de sintetizador. La tercera parte de la canción es simplemente maravillosa, y tal vez es la mejor. ¡Oigan la rapidez de esa batería! El solo de guitarra se acerca con un sonido magnífico. La repetición del pegadizo y dulce estribillo con una perfecta performance vocal se repite y da final al tema.
 Virtuosa pero aburrida, se presenta Learning to fly, que es un tema con aires speed metal muy poco destacable. Lo que salva a esta canción de ser lowlight y lo único realmente trascendente aquí es su intermedio improvisado con el teclado y la guitarra como siempre: luciéndose.
Luego de esto, comienzan a surgir los temas con mejores melodías del disco.
  Un falsete increíble (realmente me cuesta creer que Kotipelto, una persona de más de treinta años, cante esto) con una maravillosa melodía acompañada de una guitarra acústica abre Papillon. Todo esto estalla en el mejor estribillo del disco: un poderosísimo grito invade nuestros oídos y nos deja los pelos de punta. Lo mejor viene cuando la guitarra toca un punteo simple que se rompe con unos coros y orquestas épicas.
  Stratofortress es la última muestra pura de virtuosismo en Elements Pt. 1. Si se sorprendieron antes, escuchen este tema. Dios, esto no es humano: ¡Todo es perfecto! Batería, bajo, teclado y guitarra conviven a la perfección a una velocidad de 1000000000 negras por segundo. Además de ser ultra veloces, las melodías ejecutadas son buenísimas. ¡No puedo no marcar esto!
    Unos coros inesperados abren Elements, lo mejor del disco. Paz, amor y violencia se reúnen en el tema homónimo. El pasaje de guitarra de la introducción es caudaloso, y toda melodía de voz aquí presente es increíblemente hermosa. Mientras las estrofas nos llenan de luz, el estribillo es sumamente violento y estremecedor (¡Escuchen esos coros!). Muchos intermedios de guitarra se escuchan a lo largo del tema, pero lo mejor de este instrumento es el solo inmaculadamente tocado que se presenta por la mitad del minuto cinco. Escuchen cuán armoniosas son esas guitarras acústicas junto a esas cuerdas. La melodía de la tercera parte (final del minuto siete) es increíble: me pone los pelos de punta. Y para colmo, le sigue una improvisación de teclado y una guitarra con un sonido lloroso. Todo termina con un glorioso diminuendo de todo instrumento ejecutado a lo largo de la suite.
  Un disco no puede terminar tan apasionadamente. A drop in the ocean se encarga de aliviar las sensaciones finales de su antecesor con hermosos arreglos orquestales y pacíficas y dulces melodías. Una genial despedida por parte de este gigante grupo.

  Es usual leer en Youtube o comunidades como Taringa discusiones sobre la estética de lo veloz en la música. Algunos metaleros, por un lado, dicen que el único estilo que guarda calidad interpretativa es el metal, mientras que algunos rockeros, bluseros y poperos (?) dicen que lo que hace esta gente es inexpresivo y anti musical. Yo creo que habría que situarse en un punto medio. Hay muchísimos músicos fuera del metal que tienen igual (y tal vez mayor) calidad de ejecución. Simplemente hay que ver con qué criterio uno mide esas cosas. Muy pocos guitarristas del género de este disco logran solear tan expresivamente como lo hacen los viejos del blues, pero a la vez, muy pocos viejos del blues logran tocar tantas notas en tan poco tiempo. Para mi gusto tocar rápido no está mal, pero esto siempre se debe medir porque a veces agota. No es por nada que Robert Fripp es uno de mis guitarristas favoritos (gran uso de efectos, sonido limpio y rockero, rapidez medida y expresividad rebosante en una sola persona). Sin embargo, es indisbutible que, en términos generales, los guitarristas que mayor técnica tienen están en el metal. Sí: ¿Quién mas puede articular notas tan velozmente y a la vez rasguearlas? Un buen guitarrista no mueve la mano por puro circo. Un buen guitarrista aprieta trastes y no deja ningún espacio pisado por su dedo sin tocar a la vez con su púa (o uña, o dedo, o cualquier cosa).

     

Canción con todos - Tema de la semana

Hoy les traigo una canción que, esta vez, no es ni rock ni trova: es folclore argentino. El monólogo introductorio simplemente me estremece. Dejémonos de palabras y vayamos a la maravillosa música y poesía social de este conjunto vocal.
  Letra por Armando Tejada Gómez y música por César Isella.




Canción con todos
  
Salgo a caminar
por la cintura cósmica del Sur,
piso en la región
más vegetal del viento y de la luz.

Siento al caminar
toda la piel de América en mi piel
y anda en mi sangre un río
que libera en mi voz su caudal.

Sol de Alto Perú,
rostro Bolivia estaño y soledad,
un verde Brasil
besa a mi Chile cobre y mineral.

Subo desde el Sur
hacia la entraña América total,
pura raíz de un grito 
destinado a crecer y a estallar.

Todas las voces, todas,
todas las manos, todas,
toda la sangre puede
ser canción en el viento.

Canta conmigo, canta,
latinoamericano,
libera tu esperanza
con un grito en la voz.

domingo, 18 de diciembre de 2011

Silvio (1992) - Silvio Rodríguez


Puntuación: 10+

Mejor tema: Quien fuera

Tracklist
01. Compañera
02. Trova de Edgardo
03. La desilusión
04. Y Mariana
05. Abracadabra
06. Hombre
07. Monólogo
08. El necio
09. La guitarra del joven soldado
10. Quien fuera
11. Juego que me regaló un 6 de enero


Arrancamos con este autor reseñando Silvio, una obra maestra. Sí, ese es el calificativo que merece. ¿Por qué? Simple: melodías exaltantemente hermosas y arreglos (siempre de guitarra acústica) perfectos se encuentran como oro en una mina aquí. Los arpegios que se escuchan durante todo el disco son acompañantes y, en su mayoría, son muy creativos (con esto me refiero a que no son los típicos, sino que buscan ser más complejos que los clásicos).
  Silvio, en sus primeros años, grababa con bandas, teclados y más instrumentación. Pero aquí, el autor se limita a utilizar sólo su guitarra para acompañarse, cosa que deja los temas crudos: así, como los escuchó Rodríguez en un principio (antes de componer, en su cabeza), los escuchamos nosotros. 
  Soy malo en materia de interpretación de textos, y como no quiero arruinar lo que, pienso, es aprobable, no comentaré ninguna letra.

  Compañera está compuesta en 1987 y es muy pacífica y amorosa, y tiene un acompañamiento arpegiado muy creativo. Amo los momentos en los que Silvio canta apasionadamente (¿Quién se atreve a decirme que debo arrepentirme de la esperma quemante que me trajo?).
  Trova de Edgardo, del 91 es una corta y rápida pero maravillosa canción dedicada a Poe que tiene un complejo y alegre acompañamiento, que es lo mejor de esta.
  La desilusión es el primer tema sin colorear que se nos presenta. Su melodía no llega a ser tan atractiva como la de sus antecesores, y el acompañamiento se torna aburrido. Lo mejor es el trabajo de superposición de voces, pero no es un punto tan alto como para hacer que la canción merezca estar en rojo.
  El disco se levanta hasta terminar con Y Mariana, que posee un estribillo llamativo y melodías hermosas. El acompañamiento de las estrofas tal vez llegue a aburrir, pero el estribillo cambia todo eso y hace que incluya el tema entre los rojos.
  Abracadabra lucha por ser el mejor tema del disco. Silvio es de los pocos que logra ponerme los pelos de punta con una melodía y un acompañamiento simple. No conozco una cosa tan romántica y a la vez poco melosa: el estribillo es volador. Las guitarras superpuestas con sus acordes rematados y sus arpegiados hermosos junto con la voz del trovador me hacen volar.
  Silvio le dedica Hombre al Che Guevara. El tema empieza con un recitado acompañado por unos arpegios lentos y un coro poco destacable. Pero lo mejor está en la misteriosa melodía que se escucha después de todo esto. Es como una especie de susurro que me conmueve como pocas cosas. Todo termina muy emotivamente con un crescendo de guitarras y voces superpuestas.
  Monólogo es otra sentimental canción con un inicio ultra melancólico y una melodía principal impresionantemente conmovedora compuesta para Teté Vergara. Si quieren escuchar algo que dé lástima escuchen esto.
  El necio empieza a capella y va acumulando cada vez más presión con intermedios guitarrísticos cada vez más aplastantes. Lo que empezó con un susurro de Silvio, termina con un caudal de guitarras y coros épicos que luego se desvanece en un acorde.
  La guitarra del joven soldado es un toque de dulzura infantil ejecutada por una pacífica voz y unos ultra sencillos e infantiles punteos de guitarra, acompañados de un lindo arpegiado.
  Quien fuera es candidato a mejor canción del disco. Al igual que Abracadabra, posee una de las melodías más hermosas jamás creadas. Pero no sólo eso es lo que hace este tema algo tan emotivo: la superposición progresiva de guitarras me fascina, y el final compuesto por esas cuerdas me deja la piel de gallina. Además el punteo de guitarra al que luego se le agregan distintas variaciones es simplemente majestuoso.
  Juego que me regaló un 6 de enero es otra canción susurrante acompañada por un arpegiado a bajo volumen que tiene un meloso estribillo. Lo mejor aquí es su gran melodía y creativo acompañamiento.

  Muchos escapan de Silvio por sus desafinaciones en la voz y sus golpeteos a la guitarra. Sí, a veces el instrumentista pega duro a las cuerdas, pero lo hace con la intención de añadirle emotividad a lo que hace. Cuando Rodríguez no logra afinar, lo hace porque no llega a los agudos, y esto es algo muy común entre los cantantes. Permitámosle cometer algunos errores: él nos entrega melodías que nos hacen llorar, y estas no son razones como para restarle demasiados puntos.


     

sábado, 17 de diciembre de 2011

Tema de la semana: The great gig in the sky

Buenas tardes lectores. Hoy paso para entregarles el tema de la semana. Una canción compuesta por Pink Floyd titulada The great gig in the sky que está en Dark side of the moon (disco que, les prometo, reseñaré más adelante).


viernes, 16 de diciembre de 2011

Please please me (1963) - The Beatles



Puntuación: 7-



Mejor canción: Twist and shout



Tracklist

01. I saw her standing there
02. Misery
03. Anna (go to him)
04. Chains
05. Boys
06. Ask me why
07. Please please me
08. Love me do
09. P. S. I love you
10. Baby it's you
11. Do you want to know a secret
12. A taste of honey
13. There's a place
14. Twist and shout



Soy conocido entre mis amigos que gustan del rock y el “buen arte” como el anti-beatle. Muchas veces se me acusa de exagerar los puntos bajos del grupo, y de menospreciar su música. Pero tal vez esta reseña deje en claro mi punto de vista del grupo.
  Siempre me mantuve distante de la primera etapa de los Beatles, pero no puedo considerar que se de rock si no escuché estos discos. No quiero explayarme, ya que cuando termine de reseñar todos los lanzamientos de los Beatles haré una introducción al grupo en la que explicaré todo esto detalladamente.
  Ya todos saben la historia de los Beatles, así que no creo necesario repetirla.
   No suelo hablar de las letras de grupos extranjeros, y si lo voy a hacer, no va a ser en este disco ya que no hay ninguna que sea verdaderamente relevante (confesiones de amor, expresiones de las emociones sentidas al besar a una chica y esas estupideces de adolescentes).
  I saw her standing there, un rock ‘n’ roll movido, abre el disco con una pegadiza melodía y unas guitarras distorsionadas. Los típicos e identificatorios coros Beatle se hacen presentes en esta canción junto con un solo de guitarra insulso e inexpresivo.
  Misery es un tema compuesto originalmente para Helen Shapiro que tiene una melodía melosa unos coros agradables y un piano extremadamente infantil. Es algo monótono, pero su corta duración lo hace algo disfrutable.
  Anna (go to him) es otro pop romántico esta vez mucho mejor. El estribillo con su melodía apasionada y el pegadizo riff de guitarra presente en las estrofas hacen a este tema un highlight.
  Chains es un pop con tintes country plagado de coros y melodías amistosas. Es el segundo cover del disco, y si bien no es destacable, tampoco merece ser lowlight.
  Boys es otro cover, y está muy bien cantado por Ringo Starr. Posee unos coros pegadizos y una base bastante blusera. Esta vez el solo ejecutado por Harrison es mucho más destacable, y aunque es nuevamente inexpresivo, queda muy bien con el ritmo apresurado del bajo y la batería. Sin embargo la melodía, su elemento principal, no alcanza a ser demasiado buena.
  Ask me why es un pop meloso bastante destacable por su hermosa melodía y sus infaltablemente pegadizos coros. Una canción muy bien lograda: base tranquila y performance vocal perfecta.
  Please please me es otro highlight que posee un estribillo muy pegadizo con unos “come on!” desgarrados y apasionantes, unos inevitablemente geniales coros y una pegadiza melodía.
  Love me do es el primer número uno de los Beatles. Muy sobrevalorado, tiene una armónica amistosa y una pandereta tonta ejecutada por Ringo (aunque sólo es un detalle). El solo de John es muy bueno, eso no se niega.
  P.S. I love you es una hermosa balada romántica con una conjugación perfecta entre los coros y la voz líder. Si no fuera porque se hace extensa, la marcaría en rojo con gusto. Además el acompañamiento termina siendo agotador.
  Baby it’s you es un cover que comienza con unos coros ultra infantiles y una apasionante melodía. Pero lo mejor aquí es el estribillo, cantado a la perfección por John. El catarro lo ayuda a desgarrar fácilmente su voz (aunque esto se puede ver mejor en el último tema), y eso queda muy bien. El solo de guitarra es aborrecible, pero por suerte dura poco.
  Do you want to know a secret es simplemente maravillosa. Me arrodillo ante una de las melodías más pegadizas, amistosas, amorosas y agradables de la historia del pop-rock. Un tema con esta parte de voz no puede ser otra cosa que highlight.
  A taste of honey tiene unos coros vigorosos con ritmo de marcha, una melodía que pretende ser tétrica pero que al estar rodeada de temas como Please please me o Do you want to know a secret no puede ser tomada con seriedad.
  There’s a place es muy movida y tiene unos coros geniales con melodías divertidas. El estribillo es, curiosamente, lo menos destacable. John saca a relucir nuevamente su armónica, pero esta vez no logra cautivarnos como antes: aporta sencillos detalles.
  Twist and shout es lo mejor del disco. No hay cosa más bailable que ésta. La voz locamente desgarrada de John y los sencillos pero lindos coros son ultra cautivadores. Además el popular riff de guitarra nuevamente pegadizo nos hace saltar de emoción para bailar y el solo de guitarra es el mejor de todos en este LP.

  Aunque la música del disco sea simple, Please please me es un compilado de pop juvenil con melodías geniales y música fresca y disfrutable. A los cuatro jóvenes les falta trayectoria para madurar y lograr constituir discos sólidos, pero para comenzar es un buen LP.
  No pienso explicar la concepción que tengo de este disco en relación a su lugar en la historia del rock, ya que lo voy a hacer, como dije antes, en la introducción al grupo. Sólo puedo decir que con este LP los Beatles se popularizaron a gran escala y movilizaron millones de chicas (y también de billetes) con su música.
  Ahora, por favor, no me digan que no fueron comerciales. No digo que hayan sido malos, pero este grupo es uno de los más vendedores de imagen en la historia del rock. Los Beatles eran los jóvenes de pelo largo y flequillo loco, eran el furor de las jóvenes. Con esto no quiero decir que sea un grupo de mala calidad, ni que sean uno más entre todas las bandas: simplemente quiero expresar que lucraron como pocos lo han hecho en la historia del rock.
  Además, la manía Beatle no fue sólo en E.E.U.U y Europa, como suele serlo: todo el mundo se movilizó. Prueba de esto es lo que cuentan mis abuelos: tenían en esa época una disquería en un pueblo perdido de Entre Ríos, Argentina, y dicen que se armaban colas gigantes de compradores cuando llegaban los vinilos de los cuatro aclamados. Si no me creen, basta con preguntar a adultos de unos 40 o 50 años para comprobar que esto era verdad.


Puntuación: 7+

Mejor canción: Twist and shout

Tracklist
01. I saw her standing there
02. Misery
03. Anna (go to him)
04. Chains
05. Boys
06. Ask me why
07. Please please me
08. Love me do
09. P. S. I love you
10. Baby it's you
11. Do you want to know a secret
12. A taste of honey
13. There's a place
14. Twist and shout



Este es un gran disco debut, para su época. Al día de hoy puede sonar insulso, superficial y muy comercial, pero hay que tener en cuenta que en la época de este disco, el rock estaba prácticamente muerto. Los Beatles, entre otros grupos de la Invasión Británica, ayudaron a resucitarlo, y el punto de partida fue este álbum, consolidándose los Beatles como los impulsores de la música beat. 

En fin, Please Please Me es un álbum liviano de pop con algunos números de rock and roll, pero se vislumbra ya una calidad en la banda superior a la de los (pocos) rivales que tenían en ese momento. 
Comienza con un conteo clásico, ese genial "One, two, three, four", que anuncia que estamos ante algo diferente. Es I Saw Her Standing There, un rock and roll con mucha energía juvenil y un gran estribillo. 
Misery es una balada con letra pesimista (aunque aún juvenil) y melodía alegre, mientras que Anna (Go To Him) cuenta con una gran performance vocal de John y una buena guitarra acústica. 
Chains es relleno, especialmente por su tonta armónica, mientras que Boys, también relleno, es más disfrutable, un rock and roll genérico con una buena voz de Ringo. 
Ask Me Why es otro numerito pop inocuo pero disfrutable, antes de dar paso a otro gran clásico del álbum, Please Please Me, con su armónica clásica, sus "C'mon c'mon" verdaderamente irresistibles, y su melodía brillante. El segundo mejor tema del disco. 
Love Me Do está bien, es pegadiza, pero está algo sobrevalorada. 
Prefiero P.S.I Love You, otra balada azucarada con una voz muy grave de Paul y una melodía no tan monótona como la anterior. 
Baby It's You es una balada muy empalagosa pero que a veces se disfruta por los irresistibles "Shalalalalalala". 
Do You Want To Know A Secret es una buena canción pop con una muy pegadiza melodía y buenos coros.
There's A Place es mediocre, con una buena melodía pero algo bulliciosa para mi gusto. 
A Taste Of Honey es un tema raro, con ritmo de vals en los versos, que me gusta mucho por su originalidad. 
Para el final reservaron lo mejor, el cover Twist And Shout, pero lo que era un número ordinario lo transforman en un rock and roll desenfrenado con uno de los picos de la voz de Lennon, totlamente fogosa y salvaje. Un número bastante rockero para 1963, si me preguntan. 
Y así termina este buen disco pop, un disco que no será una obra maestra (ni tiene pretensiones de serlo) pero otorga grandes cuotas de disfrute al oyente.
Un 7+.